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Il n’y a pas de règles infaillibles lorsqu’il s’agit de la façon dont vous devez composer vos photos. Après tout, qui aime les règles, à l’exception de votre ancien directeur d’école ou des chefs des départements des ressources humaines ? Il existe cependant plusieurs lignes directrices que vous pouvez utiliser pour améliorer la composition de vos photos.
Dans ce tutoriel, j’ai listé 20 de ces lignes directrices avec des exemples de chacune d’entre elles. J’ai commencé par les plus basiques et terminé par certaines des techniques de composition les plus avancées.

Pour commencer, nous devons définir ce que l’on entend par  » composition « . La composition fait référence à la façon dont les différents éléments d’une scène sont disposés dans le cadre. Comme je l’ai déjà mentionné, il ne s’agit pas de règles strictes et rapides, mais de lignes directrices. Cela dit, beaucoup d’entre elles sont utilisées dans l’art depuis des milliers d’années et elles aident vraiment à obtenir des compositions plus attrayantes. Je constate que j’ai généralement une ou plusieurs de ces lignes directrices dans un coin de ma tête lorsque je prépare une prise de vue.

Nous allons commencer par la technique de composition probablement la plus connue : La règle des tiers.

#1. La règle des tiers

Je viens donc de vous dire qu’il n’y a pas de règle absolue en matière de composition et voilà que la première chose sur laquelle j’écris est la  » règle  » des tiers. Pour ma défense, ce n’est pas moi qui ai inventé ce nom. La règle des tiers est très simple. Vous divisez le cadre en 9 rectangles égaux, 3 en largeur et 3 en profondeur, comme illustré ci-dessous. De nombreux fabricants d’appareils photo ont intégré la possibilité d’afficher cette grille en mode « live view ». Consultez le manuel de votre appareil photo pour savoir comment activer cette fonctionnalité.

L’idée est de placer le ou les éléments importants de la scène le long d’une ou plusieurs des lignes ou à l’endroit où les lignes se croisent. Nous avons une tendance naturelle à vouloir placer le sujet principal au milieu. Le placer excentré en utilisant la règle des tiers conduira le plus souvent à une composition plus attrayante.

Sur cette photo, j’ai placé l’horizon à peu près le long du tiers inférieur du cadre et les arbres les plus grands et les plus proches le long de la ligne à droite. La photo n’aurait pas le même impact si les plus grands arbres avaient été placés au centre du cadre.

Dans cette photo de la place de la vieille ville de Prague, j’ai placé l’horizon le long du tiers supérieur du cadre. La plupart des bâtiments se trouvent dans le tiers central et la place elle-même occupe le tiers inférieur du cadre. Les flèches de l’église sont placées près de la ligne horizontale à droite du cadre.

#2. Composition centrée et symétrie

Maintenant que je vous ai dit de ne pas placer le sujet principal au centre du cadre, je vais vous dire de faire exactement le contraire ! Il y a des moments où placer un sujet au centre du cadre fonctionne vraiment bien. Les scènes symétriques sont parfaites pour une composition centrée. Elles sont aussi très belles dans des cadres carrés.

Cette photo du pont Ha’penny dans ma ville natale de Dublin était le candidat parfait pour une composition centrée. L’architecture et les routes font souvent d’excellents sujets pour une composition centrée.

Les scènes contenant des reflets sont également une excellente occasion d’utiliser la symétrie dans votre composition. Dans cette photo, j’ai en fait utilisé un mélange de la règle des tiers et de la symétrie pour composer la scène. L’arbre est décentré à droite du cadre, mais l’eau parfaitement calme du lac assure la symétrie. Vous pouvez souvent combiner plusieurs directives de composition dans une seule photo.

#3. Intérêt de premier plan et profondeur

Inclure un certain intérêt de premier plan dans une scène est un excellent moyen d’ajouter un sentiment de profondeur à la scène. Les photographies sont par nature en 2D. Inclure un intérêt de premier plan dans le cadre est l’une des nombreuses techniques permettant de donner à la scène une sensation plus 3D.

Dans cette photographie d’une chute d’eau aux Pays-Bas, les rochers dans la rivière ont fourni une source parfaite d’intérêt de premier plan. L’ajout d’un intérêt au premier plan fonctionne particulièrement bien avec les objectifs grand angle.

J’ai pris cette photographie dans les docks de Dublin. Les taquets de dock le long du quai ont fourni l’intérêt du premier plan de ce cliché. Je pense que cela ajoute une réelle sensation de profondeur à la composition. Le taquet de cette scène se trouvait seulement à quelques mètres devant moi lorsque j’ai pris cette photo. L’inclure dans le cadre dépeint un sentiment de profondeur dans la scène en incluant un élément dont j’étais assez proche ainsi que le pont et les bâtiments au loin et tout ce qui se trouve entre eux.

Un ami qui était avec moi ce soir-là a trébuché sur l’un des taquets et a failli finir par avoir une vue très rapprochée de la rivière Liffey. C’est une façon d’ajouter de la profondeur à la scène, je suppose.

#4. Cadre dans le cadre

Cadrer la scène avec une arche – Composition photographique

Inclure un  » cadre dans le cadre  » est un autre moyen efficace de représenter la profondeur d’une scène. Recherchez des éléments tels que des fenêtres, des arches ou des branches en surplomb pour encadrer la scène. Le  » cadre  » ne doit pas nécessairement entourer toute la scène pour être efficace.

Dans la photo ci-dessus prise sur la place Saint-Marc à Venise, j’ai utilisé l’arc pour encadrer la basilique Saint-Marc et le Campanile à l’extrémité de la piazza. L’utilisation de paysages vus à travers des arches était une caractéristique commune de la peinture de la Renaissance comme moyen de représenter la profondeur. Comme vous pouvez le voir, la place était complètement vide lorsque j’ai pris cette photo. C’est l’un des avantages de se lever à 5 heures du matin. Le petit matin est l’un de mes moments préférés pour sortir avec l’appareil photo.

Les cadres n’ont pas besoin d’être des objets fabriqués par l’homme comme des arches ou des fenêtres. La photo ci-dessous a été prise dans le comté de Kildare, en Irlande. Cette fois, j’ai utilisé le tronc d’arbre à droite et la branche en surplomb pour créer un cadre autour de la scène contenant le pont et le hangar à bateaux. Remarquez que même si le  » cadre  » n’entoure pas réellement toute la scène dans ce cas, il ajoute tout de même un sentiment de profondeur.

L’utilisation d’un  » cadre dans un cadre  » présente une excellente opportunité d’utiliser votre environnement pour être créatif dans vos compositions.

#5. Les lignes directrices

Les lignes directrices permettent de guider le spectateur à travers l’image et de concentrer l’attention sur les éléments importants. Tout ce qui est chemin, mur ou motif peut être utilisé comme ligne directrice. Jetez un œil aux exemples ci-dessous.

Dans cette photo de la Tour Eiffel, j’ai utilisé les motifs sur les pavés comme lignes directrices. Les lignes sur le sol conduisent toutes le spectateur vers la Tour Eiffel au loin. Vous remarquerez également que j’ai utilisé une composition centrée pour cette scène. La symétrie de mon environnement a permis à ce type de composition de bien fonctionner.

Les lignes directrices ne doivent pas nécessairement être droites comme l’illustre la photo ci-dessus. En fait, les lignes courbes peuvent être des éléments de composition très attrayants. Dans ce cas, le chemin conduit le spectateur à droite du cadre avant de basculer à gauche vers l’arbre. J’ai également utilisé la règle des tiers pour composer le cliché.

#6. Diagonales et triangles

On dit souvent que les triangles et les diagonales ajoutent une  » tension dynamique  » à une photo. Ma belle-mère fait également un excellent travail pour ajouter de la tension à n’importe quelle scène. Mais qu’entendons-nous par « tension dynamique » ? C’est une notion délicate à expliquer et qui peut sembler un peu prétentieuse. Voyez les choses ainsi : les lignes horizontales et les lignes verticales suggèrent la stabilité. Si vous voyez une personne debout sur une surface horizontale plane, elle vous semblera assez stable, à moins qu’elle ne trébuche à la sortie d’un pub à 2 heures du matin. Mettez cet homme sur une surface inclinée et il semblera moins stable. Cela crée un certain niveau de tension visuelle. Nous ne sommes pas habitués aux diagonales dans notre vie quotidienne. Elles suggèrent inconsciemment l’instabilité. Incorporer des triangles et des diagonales dans nos photos peut aider à créer ce sentiment de  » tension dynamique « .

Incorporer des triangles dans une scène est un moyen particulièrement efficace d’introduire une tension dynamique. Les triangles peuvent être des objets réels en forme de triangle ou des triangles implicites. Je vous expliquerai cela plus en détail dans un instant.

Cette image du pont Samuel Beckett à Dublin incorpore beaucoup de triangles et de diagonales dans la scène. Le pont lui-même est un triangle réel (Il est en fait censé représenter une harpe celtique sur son côté). Il y a également plusieurs triangles « implicites » dans la scène. Remarquez comment les lignes directrices à droite du cadre sont toutes diagonales et forment des triangles qui se rejoignent tous au même point. Ce sont des « triangles implicites ». Le fait d’avoir des diagonales qui partent dans différentes directions ajoute beaucoup de « tension dynamique » à la scène. Une fois encore, vous pouvez voir comment j’ai combiné deux techniques pour composer l’image : les lignes directrices et les diagonales.

Dans cette photo de l’Hôtel de Ville à Paris, les triangles implicites et les diagonales créent un sentiment de tension dynamique. Nous ne sommes pas habitués à voir des bâtiments penchés à de tels angles dans notre vie quotidienne. Notre sens de l’équilibre s’en trouve légèrement ébranlé. C’est ce qui crée la tension visuelle. Vous pouvez également parler de tension dynamique pour paraître intelligent (ou fâcheusement prétentieux) devant vos amis.

#7. Motifs et textures

L’être humain est naturellement attiré par les motifs. Ils sont visuellement attrayants et suggèrent l’harmonie. Les motifs peuvent être créés par l’homme comme une série d’arches ou naturels comme les pétales d’une fleur. Incorporer des motifs dans vos photos est toujours un bon moyen de créer une composition agréable. Les textures moins régulières peuvent également être très agréables à l’œil.

La photo ci-dessus a été prise en Tunisie. J’ai utilisé le motif des pavés pour guider l’œil vers le bâtiment en forme de dôme. Le bâtiment lui-même intègre un motif sous la forme d’une série d’arches. Le toit en dôme complète également les arcs arrondis en dessous.

Dans cette deuxième photo, également prise en Tunisie, j’ai beaucoup aimé la texture du travail de la pierre sur le sol. Celle-ci est moins régulière que le motif de la première photo mais le jeu d’ombre et de lumière sur la surface est très agréable. Il y a aussi des textures intéressantes sur les murs et le toit du passage. Vous avez peut-être aussi remarqué que l’arche crée un  » cadre dans un cadre  » autour de l’homme et du café de l’autre côté de l’arche.

#8. Règle des probabilités

Dans le monde de la photographie, il y a certainement beaucoup de  » probabilités « , mais la  » règle des probabilités  » est quelque chose de tout à fait différent. Cette règle suggère qu’une image est plus attrayante visuellement s’il y a un nombre impair de sujets. Selon cette théorie, un nombre pair d’éléments dans une scène est source de distraction car le spectateur ne sait pas sur lequel porter son attention. Un nombre impair d’éléments est considéré comme plus naturel et plus facile à regarder. Pour être honnête, je pense qu’il y a beaucoup de cas où ce n’est pas le cas, mais c’est certainement applicable dans certaines situations. Et si vous avez quatre enfants ? Comment décider lequel laisser de côté ? Personnellement, j’opterais pour le potentiel de gains futurs.

La photo ci-dessus est un exemple de la règle des probabilités. J’ai délibérément cadré la scène pour inclure trois arches. Je pense que deux arches n’auraient pas aussi bien fonctionné et auraient pu diviser l’attention du spectateur. Il se trouve également qu’il y avait trois personnes dans la scène. Cette composition fait également appel aux motifs et aux  » cadres dans un cadre « .

Dans la photo de deux gondoliers à Venise ci-dessus, vous verrez que j’ai complètement ignoré la règle des cotes. Il est vrai que votre attention peut aller et venir entre chaque gondolier. Cependant, c’est exactement ce à quoi ressemble une conversation entre deux personnes, un va-et-vient. Pour cette raison, je pense que le nombre pair de sujets fonctionne dans ce cas.

#9. Remplir le cadre

Remplir le cadre avec votre sujet, en laissant peu ou pas d’espace autour de lui peut être très efficace dans certaines situations. Cela aide à concentrer le spectateur complètement sur le sujet principal sans aucune distraction. Il permet également au spectateur d’explorer les détails du sujet, ce qui ne serait pas possible s’il était photographié de plus loin. Remplir le cadre implique souvent de s’approcher si près que vous risquez de rogner des éléments de votre sujet. Dans de nombreux cas, cela peut conduire à une composition très originale et intéressante.

Dans la photo de mon chat de compagnie à gauche, vous remarquerez que j’ai rempli entièrement le cadre avec son visage, en recadrant même les bords de sa tête et de sa crinière. Cela permet au spectateur de vraiment se concentrer sur des détails tels que les yeux ou les textures de sa fourrure. Vous pouvez également remarquer que j’ai utilisé la règle des tiers dans cette composition. Il est un animal de compagnie adorable, mais vous devriez voir l’état de nos meubles. Il aime aussi les enfants mais il ne pourrait pas en manger un entier.

Dans le deuxième cliché de la cathédrale Notre-Dame à Paris, j’ai laissé très peu d’espace autour des bords du bâtiment. le but de cette photographie est de mettre en valeur le détail architectural de la façade avant du bâtiment.

#10. Laissez de l’espace négatif

Une fois de plus, je vais me contredire complètement ! Dans la dernière ligne directrice, je vous ai dit que le remplissage du cadre fonctionne bien comme outil de composition. Maintenant, je vais vous dire que faire l’exact opposé fonctionne bien aussi. Laisser beaucoup d’espace vide ou « négatif » autour de votre sujet peut être très attrayant. Cela crée un sentiment de simplicité et de minimalisme. Comme le fait de remplir le cadre, cela aide le spectateur à se concentrer sur le sujet principal sans distractions.

Cette photo d’une statue géante du dieu hindou Shiva à l’île Maurice est un bon exemple d’utilisation de l’espace négatif. La statue est évidemment le sujet principal, mais j’ai laissé beaucoup d’espace rempli uniquement par le ciel autour d’elle. Cela concentre notre attention sur la statue elle-même tout en donnant au sujet principal de l’espace pour respirer, pour ainsi dire. La composition crée également un sentiment de simplicité. Il n’y a rien de compliqué dans cette scène. Il s’agit de la statue entourée du ciel, c’est tout. J’ai également utilisé la règle des tiers pour placer la statue à droite du cadre.

#11. Simplicité et minimalisme

Dans la dernière ligne directrice, nous avons vu comment laisser un espace négatif autour du sujet principal peut créer un sentiment de simplicité et de minimalisme. La simplicité elle-même peut être un outil de composition puissant. On dit souvent que « moins, c’est plus ». La simplicité signifie souvent prendre des photos avec des arrière-plans simples qui ne détournent pas l’attention du sujet principal. Vous pouvez également créer une composition simple en zoomant sur une partie de votre sujet et en vous concentrant sur un détail particulier.

Dans cette première photo, j’ai zoomé sur des gouttes d’eau sur une feuille dans un jardin. C’est un sujet tellement simple mais qui est aussi très beau à cause de sa simplicité. Un bon objectif macro peut être un outil très utile pour créer ce type de photos.

Dans cette deuxième photo d’un arbre à l’aube, j’ai fait usage d’un arrière-plan très simple et épuré pour concentrer l’attention sur l’arbre. Cette photo fait usage de  » l’espace négatif  » pour créer un sentiment de simplicité et de minimalisme. J’ai également utilisé la règle des tiers et les lignes directrices dans la composition.

#12. Isolez le sujet

Utiliser une faible profondeur de champ pour isoler votre sujet est un moyen très efficace de simplifier votre composition. En utilisant une grande ouverture, vous pouvez flouter l’arrière-plan qui pourrait autrement distraire de votre sujet principal. Il s’agit d’une technique particulièrement utile pour la réalisation de portraits. Vous pouvez en savoir plus sur l’utilisation des différents réglages d’ouverture dans mon tutoriel sur l’ouverture, la vitesse d’obturation et l’ISO.

Dans cette photo d’un chat caché dans une boîte, j’ai réglé une ouverture de f3,5, ce qui est très large et donne un arrière-plan très flou. Cela permet de concentrer l’attention sur le chat car l’arrière-plan flou est maintenant moins distrayant. Cette technique est un excellent moyen de simplifier une composition. Vous avez peut-être remarqué que j’ai également utilisé cette technique pour concentrer l’attention sur les gouttes d’eau sur la feuille dans la dernière ligne directrice.

#13. Changez votre point de vue

La plupart des photos sont prises à hauteur des yeux. Dans mon cas, cela représente à peine 1,5 mètre ! Prendre de la hauteur ou de la hauteur peut être un moyen de créer une composition plus intéressante et plus originale d’un sujet familier. J’ai souvent vu des photographes animaliers, notamment, s’allonger dans la boue sur le ventre pour obtenir la photo parfaite.

Cette photo de Paris la nuit a été prise depuis le toit de la tour Montparnasse, dans le 15e arrondissement. Chaque fois que je visite une ville, j’essaie toujours de voir s’il y a des bâtiments avec des plateformes d’observation pour permettre de photographier la ville d’en haut. Prendre de la hauteur vous donne la chance de capturer des vues spectaculaires d’une ville, surtout la nuit.

Parfois, trouver ce point de vue parfait signifie se mouiller les pieds. Ci-dessus, une photo que j’ai prise alors que je me tenais dans un ruisseau à Ballyhoura, dans le comté de Limerick, en Irlande. J’ai dû attendre un certain temps qu’une averse passe et que le soleil réapparaisse. Mais cela valait la peine de se baisser et de capturer le mouvement de l’eau qui coulait sur les rochers. J’ai eu besoin de plusieurs whiskeys chauds après pour me réchauffer à nouveau cependant.

#14. Cherchez des combinaisons de couleurs particulières

L’utilisation de la couleur elle-même est un outil de composition souvent négligé. La théorie des couleurs est quelque chose que les graphistes, les créateurs de mode et les architectes d’intérieur connaissent tous très bien. Certaines combinaisons de couleurs se complètent bien et peuvent être visuellement très frappantes.

Regardez la roue chromatique ci-dessus. Vous pouvez voir que les couleurs sont disposées logiquement dans les segments d’un cercle. Les couleurs qui sont opposées les unes aux autres sur le cercle chromatique sont dites  » couleurs complémentaires « . En tant que photographes, nous pouvons rechercher des scènes qui intègrent des couleurs complémentaires afin de créer des compositions attrayantes et frappantes.

Avez-vous déjà remarqué combien d’affiches de cinéma ont des schémas de couleurs bleu et jaune/orange ? Cela est fait tout à fait délibérément pour créer des publicités accrocheuses.

J’ai moi-même fait usage de la combinaison de couleurs bleu/jaune frappante dans cette photographie de la Custom House à Dublin. Les teintes jaunes du bâtiment illuminé contrastent magnifiquement avec le bleu profond du ciel de l’heure bleue.

Le rouge et le bleu sont également des couleurs complémentaires sur la roue chromatique. Le centre commercial Stephen’s Green à Dublin était illuminé en rouge pour Noël l’année dernière. C’était très frappant par rapport au bleu profond du ciel en début de nuit. J’adore photographier les villes à l’heure bleue. Le bleu profond du ciel à ce moment-là est une toile de fond très attrayante pour l’architecture et les lumières de la ville. Le noir pur du ciel de fin de nuit n’est pas aussi frappant et contraste trop fortement avec les lumières de la ville.

#15. Règle de l’espace

La règle de l’espace concerne la direction vers laquelle le ou les sujets de votre photo sont tournés ou se déplacent. Si vous prenez la photo d’une voiture en mouvement par exemple, il doit rester plus d’espace dans le cadre devant la voiture que derrière elle. Cela signifie qu’il y a de la place dans le cadre pour que la voiture puisse se déplacer. Regardez l’exemple du bateau ci-dessous.

Dans cette photo, le bateau est placé sur le côté gauche du cadre alors qu’il se déplace de gauche à droite. Remarquez comment il y a beaucoup plus d’espace dans lequel le bateau peut se déplacer devant la direction de son mouvement (vers la droite) que derrière. Nous pouvons imaginer mentalement que le bateau se déplace dans cet espace alors qu’il navigue sur la rivière. Notre subconscient a également tendance à regarder vers l’avant, là où un objet se dirige. Si le bateau se trouvait juste en haut à droite du cadre, cela nous ferait sortir de la photographie !

Ce principe peut également être utilisé pour les photos de personnes. La règle de l’espace suggère que le sujet doit regarder ou faire face dans le cadre plutôt que d’en sortir. Jetez un coup d’œil au musicien sur la photo ci-dessus. J’ai composé la photo de manière à ce qu’il soit assis sur le côté gauche du cadre. Il est tourné vers la droite (comme nous le regardons) dans la zone d’espace entre lui et le bord droit du cadre. S’il avait été tourné dans l’autre sens, il aurait regardé hors du cadre, ce qui aurait été étrange. En regardant dans l’espace du cadre, il conduit notre regard au-delà de l’homme appuyé sur la balustrade et vers le couple qui danse sur la droite.

#16. Règle de gauche à droite

Il existe une théorie selon laquelle nous  » lisons  » une image de gauche à droite de la même manière que nous lirions un texte. Pour cette raison, il est suggéré que tout mouvement représenté dans une photographie devrait couler de gauche à droite. C’est très bien, mais cela suppose que le spectateur est originaire d’un pays où le texte se lit de gauche à droite. De nombreuses langues se lisent de droite à gauche, comme l’arabe par exemple. Pour être honnête, j’ai vu beaucoup de photographies fantastiques qui  » coulent  » de droite à gauche.

J’ai un jour été critiqué par un juge pour le fait qu’une femme sur une photo que j’ai prise marchait de droite à gauche. Il m’a dit que cela ne suivait pas la règle  » de gauche à droite « . J’ai rappelé au juge que la photo avait été prise en Tunisie où les gens lisent de droite à gauche. Je n’ai pas gagné.

La photo ci-dessus respecte la règle de  » gauche à droite « . La femme qui promène son chien dans le jardin des Tuileries à Paris marche de la gauche vers la droite du cadre. Cette photo respecte également la  » règle de l’espace « . Vous remarquerez qu’il y a beaucoup plus d’espace devant la femme que derrière elle. Elle a beaucoup d’espace pour marcher dans le cadre. J’ai également utilisé la règle des tiers et un  » cadre dans le cadre  » pour composer cette photographie.

#17. Équilibrez les éléments de la scène

La première directive de composition que nous avons examinée dans ce tutoriel était la  » règle des tiers « . Cela signifie bien sûr que nous plaçons souvent le sujet principal de la photo sur le côté du cadre, le long de l’une des lignes verticales de la grille. Parfois, cela peut conduire à un manque d’équilibre dans la scène. Cela peut laisser une sorte de  » vide  » dans le reste du cadre.

Pour surmonter cela, vous pouvez composer votre prise de vue de manière à inclure un sujet secondaire de moindre importance ou de moindre taille de l’autre côté du cadre. Cela permet d’équilibrer la composition sans trop détourner l’attention du sujet principal de la photographie.

Regardez cette photographie du lampadaire orné sur le Pont Alexandre III à Paris.

Le lampadaire lui-même remplit le côté gauche du cadre. La tour Eiffel au loin fait contrepoids de l’autre côté du cadre.

Vous avez peut-être remarqué que cela semble aller à l’encontre de l’idée d’espace négatif mentionnée dans la ligne directrice numéro 10. Cela contredit également la « règle des probabilités » car nous avons maintenant un nombre pair d’éléments dans la scène. Comme je l’ai dit au tout début de ce tutoriel, il n’existe pas de règles infaillibles en matière de composition photographique. Certaines de ces directives se contredisent et ce n’est pas grave. Certaines directives fonctionnent bien pour certains types de photographies et pas pour d’autres. C’est une question de jugement et d’expérimentation.

La photo ci-dessus a été prise à Venise. Une fois encore, un lampadaire décoratif domine un côté du cadre. Le clocher de l’église au loin apporte un équilibre sur l’autre côté du cadre.

Cela a également un effet secondaire sur la composition. Le clocher de l’église au loin est évidemment beaucoup plus grand que le réverbère dans la réalité. Il apparaît plus petit sur la photographie car il est éloigné. Cela contribue à ajouter un sentiment de profondeur et d’échelle à la scène.

#18. Juxtaposition

La juxtaposition est un outil de composition très puissant en photographie. La juxtaposition fait référence à l’inclusion de deux ou plusieurs éléments dans une scène qui peuvent soit contraster entre eux, soit se complimenter. Les deux approches peuvent très bien fonctionner et jouer un rôle important en permettant à la photo de raconter une histoire.

Regardez cette photo prise à Paris. Dans la moitié inférieure du cadre, nous avons les stands de livres un peu bruts et prêts à l’emploi, pleins de désordre et d’affiches accrochées aux sommets. Au-dessus de tout cela se dresse cependant la magnifique cathédrale médiévale Notre-Dame. Ce joyau architectural est la quintessence de l’ordre et de la structure, contrairement aux stands de livres peu sophistiqués mais attrayants qui se trouvent en dessous. Ils semblent être en contraste direct l’un avec l’autre et pourtant ils fonctionnent bien ensemble. Ils représentent tous deux la ville de Paris de différentes manières. Ils racontent une histoire sur deux éléments différents de la ville.

La photo ci-dessus a également été prise en France, mais cette fois dans le petit village pittoresque de Meyssac, dans le Sud-Ouest. Sur ce cliché, la vieille voiture Citroën 2CV semble parfaitement à sa place devant le café français typique en arrière-plan. Les deux éléments se complètent parfaitement. L’homme qui nous tourne le dos dans le café est le propriétaire de la voiture et il a semblé surpris lorsque j’ai demandé si je pouvais prendre une photo de sa voiture. Il m’a demandé pourquoi je voulais prendre une photo de « cette vieille chose ». Il n’a pas semblé réaliser qu’il avait involontairement mis en place une scène quintessentiellement française en se garant devant ce café en particulier.

#19. Triangles d’or

Tu es toujours avec moi ? On y est presque…. C’est promis. La composition des triangles dorés fonctionne de manière très similaire à la règle des tiers. Cependant, au lieu d’une grille de rectangles, nous divisons le cadre avec une ligne diagonale allant d’un coin à l’autre. Nous ajoutons ensuite deux autres lignes partant des autres coins à la ligne diagonale. Les deux lignes plus petites rencontrent la grande ligne à angle droit, comme illustré ci-dessous. Le cadre est ainsi divisé en une série de triangles. Comme vous pouvez le constater, cette façon de composer nous aide à introduire un élément de la « tension dynamique » dont nous avons parlé dans la ligne directrice numéro 6. Comme avec la règle des tiers, nous utilisons les lignes (des triangles dans ce cas) pour nous aider à positionner les différents éléments de la scène.

La photo ci-dessus contient de fortes diagonales qui suivent les lignes des ‘triangles dorés’. Les traînées lumineuses de la circulation suivent parfaitement la ligne diagonale allant du coin supérieur droit au coin inférieur gauche. Les sommets des bâtiments de gauche sont proches de la petite diagonale de gauche. La petite ligne de droite rejoint la plus grande ligne au coin supérieur des bâtiments.

La photo ci-dessus fait appel à la  » règle des triangles  » de manière plus subtile. Les têtes des statues créent un  » triangle implicite « . Cette ligne nous conduit à la tour Eiffel au loin. La petite ligne de gauche rejoint la grande ligne à mi-chemin de la tour Eiffel. La plus petite ligne à droite passe juste entre les deux statues. La règle des triangles peut sembler être une façon complexe d’agencer une photo, mais elle peut donner lieu à des compositions vraiment saisissantes.

#20. Le nombre d’or

Qu’est-ce que le nombre d’or ? Eh bien c’est en fait très simple : deux quantités sont dans le nombre d’or si leur rapport est le même que le rapport de leur somme sur la plus grande des deux quantités. Attends, quoi encore ? Ok, si cela vous semble trop compliqué, peut-être que cette formule mathématique vous aidera :

Qu’est-ce que vous voulez dire vous êtes encore plus confus maintenant ?

Il est vrai que la méthode du nombre d’or pour composer une photographie peut sembler très complexe au début. En réalité, c’est assez simple. C’est comme une version légèrement plus complexe de la règle des tiers. Au lieu d’une grille régulière, le cadre est divisé en une série de carrés, comme dans les exemples ci-dessous. C’est ce qu’on appelle une « grille Phi ». Vous pouvez ensuite utiliser les carrés pour dessiner une spirale qui ressemble à une coquille d’escargot. C’est ce qu’on appelle une « spirale de Fibonacci ». Les carrés aident à positionner les éléments dans la scène et la spirale nous donne une idée de la façon dont la scène doit s’enchaîner. C’est un peu comme une ligne directrice invisible.

On pense que la méthode de composition de la spirale dorée existe depuis plus de 2 400 ans, ayant été conçue dans la Grèce antique. Elle est largement utilisée dans de nombreux types d’art ainsi qu’en architecture comme moyen de créer des compositions esthétiques. Il était particulièrement bien employé dans l’art de la Renaissance.

Ok, je dois admettre quelque chose ici. En fait, je n’ai jamais fait exprès de composer une photographie en utilisant le nombre d’or. En regardant mes photographies, j’ai cependant remarqué que je l’avais utilisé involontairement à quelques reprises.

J’ai pris cette photo à Venise. Le pont et les marches à gauche occupent la grande place à droite. La spirale de Fibonacci nous conduit ensuite d’ici à travers le sommet du pont et jusqu’aux deux femmes assises à côté. C’est peut-être un heureux hasard mais cela semble fonctionner !

Le nombre d’or peut être mis en place dans différentes directions. Sur cette photo prise à Prague, la spirale nous conduit à travers le pont vers le château sur la rive opposée. Encore un heureux hasard !

Evidemment, il serait impossible d’avoir toutes ces directives de composition en tête pendant que vous êtes en train de photographier. Votre cerveau fondrait ! Cependant, un bon exercice consiste à faire l’effort d’utiliser un ou deux d’entre eux à chaque fois que vous sortez. Vous pourriez faire une séance photo où vous cherchez des situations pour utiliser un  » cadre dans un cadre  » par exemple.

Après un certain temps, vous constaterez que beaucoup de ces directives deviennent ancrées. Vous commencerez à les utiliser naturellement sans avoir à y penser. Comme vous pouvez le voir avec le nombre d’or, j’ai même utilisé l’une d’entre elles sans même m’en rendre compte !

J’espère que vous avez trouvé ce tutoriel utile et qu’il vous aidera à faire passer votre photographie au niveau supérieur.

P.S. Un autre exercice que vous pourriez faire est de regarder certaines des photos de mes galeries ou de toute collection de photos et d’essayer de voir si vous pouvez dire quelles techniques de composition ont été utilisées.

À propos de l’auteur : Barry O Carroll est un photographe basé à Dublin, en Irlande, spécialisé dans la photographie de paysages, avec un accent particulier sur les paysages urbains, les scènes de rue et la photographie d’architecture. Vous pouvez trouver plus de son travail sur son site web ou en le suivant sur Facebook et Twitter. Cet article a également été publié ici.

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